Non Tutti I Dipinti Astratti Nascono Direttamente Dall’immaginazione Di Un Artista, Molti Sono Basati Anche Su Soggetti Reali. Andrew Hood, Uno Dei Principali Artisti Di Bristol, Spiega Come Trasforma I Disegni Dal Vero Nelle Sue Famose Tele Astratte.
Trovo che trovare l’argomento sia il primo passo nel processo creativo. Il modo migliore per trovare soggetti interessanti è portare con te la tua macchina fotografica, usare lo sketchbook e osservare.
Mi piace passare almeno una settimana alla volta a disegnare; le idee migliori sembrano arrivare quando il cervello inizia ad abituarsi a questo nuovo modo di vedere e tradurre sulla pagina ciò che ci circonda. Quando ho una serie di buoni schizzi pieni di informazioni, il percorso verso l’astrazione e l’inizio di un dipinto diventa molto più chiaro e si apre l’opportunità di sperimentare il colore e la composizione.
Economia
Non produco mai veramente opere completamente astratte, ma spesso cerco di estendere i limiti di ciò che potrebbe essere classificato come figurativo. Per entrare in contatto con l’astrazione, penso che sia importante conoscere a fondo la tua materia. Ho disegnato migliaia di edifici, persone e paesaggi urbani, spesso nei minimi dettagli, ma è proprio questa familiarità che mi permette di essere più espressivo e di tralasciare più di quello che ho inserito, facendo sembrare i miei dipinti molto sciolti.
Ammiro sempre gli artisti che possono dire molto facendo molto poco oi pittori che possono ridurre una scena in modo che ci rimanga il minimo indispensabile, ma abbiamo le informazioni necessarie per dare un senso a ciò che abbiamo di fronte.
Il pittore americano Richard Diebenkorn era un esperto nel distillare una scena fino alla sua essenza, lasciandoci solo le informazioni sufficienti per impegnarci con il dipinto e capire cosa sta succedendo.
Nel suo Cityscape I del 1963, ad esempio, invece di vedere una strada e delle case in un paesaggio, vediamo il calore e una serie di forme quasi astratte.
Il dipinto riguarda l’atmosfera e l’umore che non chiediamo, è ben dipinto? siamo solo attratti da questo affascinante paesaggio urbano. Se guardi gran parte del suo altro lavoro, diventa quasi completamente astratto, ma senti che c’è ancora una connessione con un paesaggio o un paesaggio urbano ed è semplicemente un caso in cui lui ha spinto i confini un po’ più in là.
Giocosità
I miei dipinti iniziano in modo astratto. Blocco le forme e gioco con i colori, cercando di vedere cosa posso fare prima che tutto diventi caotico. Mi piace aggiungere un elemento di possibilità al mio lavoro.
Lasciare asciugare un dipinto a olio molto umido può spesso causare alcuni eventi molto inaspettati che possono costituire il punto di partenza per un pezzo.
Sperimentare utilizzando colori insoliti può produrre risultati entusiasmanti. Ho usato un colore che non avrei mai scelto e ho costruito i miei dipinti attorno ad esso. Puoi vedere alcuni colori piuttosto bizzarri nel lavoro di artisti famosi. Sono spesso trascurati, ma possono far risaltare un dipinto o funzionare. Un buon esempio di ciò è Pierre Bonnard, un pittore francese che sembrava sempre aggiungere colori insoliti ai suoi dipinti che servivano a renderli così individuali. Tuttavia, metto ancora molta enfasi sullo sketchbook. Anche se può essere lento, una volta che ne avrai riempiti alcuni ti sentirai più sicuro quando passerai al dipinto finale.
Sarai in grado di riconoscere le composizioni e troverai più facile identificare i soggetti che possono essere utilizzati come base per la pittura astratta.
Colore
Una cosa che mi aiuta ad astrarre i miei schizzi è usare una tavolozza molto limitata.
I dipinti astratti spesso riguardano esclusivamente il colore. Se lavorano bene insieme o combattono per il loro posto sulla tela è un fattore importante nel loro successo o fallimento. È avere quella sicurezza di scegliere i propri colori e non dipingere ciò che hai di fronte che può elevare un dipinto da mediocre a grande.
Mi ci è voluto un po’ per imparare a usare i colori che volevo e non quelli che mi avevano detto. È difficile abbattere le barriere che ci impediscono di essere creativi. I nostri cervelli sono condizionati a pensare in certi modi. Più diventiamo familiari con una particolare tavolozza di colori, maggiore è la sicurezza che abbiamo nel metterli nei dipinti.
Anche nella fase dello schizzo, penso spesso a quali colori potrei usare più avanti nel processo di pittura. Uso davvero solo i colori che sto guardando come punto di partenza per la mia pittura.
Di tanto in tanto osservo i colori nella natura, in un paesaggio urbano o in un paesaggio che mi piace e penso funzioneranno bene insieme, quindi prendo una nota mentale e forse tornerò su di essi in futuro. L’importante è essere sempre attenti.
Sviluppo
In Square at St Raphael, l’edificio principale era davvero così rosso nella vita reale, ma era un colore che volevo usare qui e sebbene domini il dipinto, sembra funzionare bene all’interno della composizione.
Lo schizzo ha fornito un punto di partenza ed è stato molto utile.
Uso lo schizzo per aiutarmi a creare la composizione.
È importante prima bloccare le forme principali e poi aggiungere i dettagli in seguito. Ciò garantisce che le proporzioni siano accurate durante lo schizzo. Normalmente disegno un quadratino per cominciare, quindi inserisco le forme all’interno di quest’area e aggiungo lentamente ulteriori informazioni. Prima di dipingere faccio spesso diversi schizzi: alcuni si concentrano sulla composizione, altri sul dettaglio. Per poter aggiungere le figure al mio dipinto, spesso le abbozzo separatamente.
La piazza di St Raphael potrebbe non essere completamente astratta, ma ha molte qualità astratte come la vernice sciolta, i colori vivaci e le trame varie. Ho potuto sperimentare tutti questi elementi perché ho compreso appieno la mia composizione sin dalla fase dello schizzo. Questo non vuol dire che non puoi cambiare la composizione, ma quando funziona, mi dà la libertà di diventare molto più astratto con la mia applicazione di pittura.
Mentre disegno sul posto, faccio molti segni casuali con penna e matita per cercare di capire la composizione. A volte sono questi che rendono interessante il disegno se tutto è perfetto, diventa come un disegno tecnico. Quindi provo a replicare questi segni quando dipingo spruzzando o gocciolando vernice, cercando di seguire ciò che è successo nello sketchbook. Questi segni non distraggono dal dipinto; Credo che aggiungano alla composizione e le diano una qualità casuale e astratta.
A volte, puoi aggiungere alcune macchie di colore per divertirti e vedere cosa succede. Una spruzzata del colore giusto può trasformare un dipinto. Ad esempio, se sto lavorando su un pezzo dominato da troppo rosso, potrei aggiungere del verde o del blu per spezzarlo.
Mi piace anche mescolare vasi di pittura a olio sottile e versarli sul lavoro come un acquerello, e questo spesso produce risultati molto astratti. Mentre cerco di lavorare all’interno della composizione originale, la vernice può spesso prendere il sopravvento e creare un dipinto completamente nuovo. Ci vuole pazienza per farla asciugare ma ne vale la pena.
La cosa importante da ricordare è che sebbene il dipinto possa iniziare a perdere forma e forma, può essere facile reintrodurre questi elementi in un secondo momento. Inizialmente puoi lasciare che il dipinto diventi quasi totalmente astratto e poi, aggiungendo un piccolo dettaglio, puoi tirarlo indietro in modo che sia più vicino allo schizzo originale o se funziona, segui il flusso!
